//전시 소개//
Gallery SAP에서는 오는 12월 11일부터 프랑스 작가인 다미안 카반(Damien Cabanes)의 개인전을 엽니다. 다미안 카반은 매우 정통적인(또한 오래된) 회화적 목표와 방식으로 작품을 하는 작가입니다. 그럼에도 불구하고 그의 작품은 중요하지만 시대에 뒤떨어진 문제에 천착해 낡아보인다거나 진부해 보이는 것이 아니라 충분히 동시대적이며, 본질적 접근이 주는 깊이를 느끼게 합니다.

• 전시개요
• 1) 전시명; Damien Cabanes 개인전 ‘fleur’
  2) 전시기간; 2023.12.11-2024.3.9
  3) 전시작품 수; 회화 15점 내외
  4) 작품크기; 50호-500호
  5) 작품이미지; 첨부
  6) 문 의; 갤러리삽 전창래 t.010-3569-4883
  *12.7(목) 또는 12.9(토) 11:00-17:00에 작가와의 인터뷰가 가능합니다.
• 작품에 대하여

몇 달전 다미안 카반에게 메일로 다음과 같은 질문을 보냈습니다.
“당신의 그림의 목표는 무엇이고, 어떤 방법으로 그립니까? 당신만의 방법이 있나요? 이번 전시작품들은 이전과는 조금 달라 보입니다. 뭐가 다른가요?”
작가는 제게 제법 긴 아래의 글을 보내왔습니다. 이 글은 저에게 이 작가의 작품을 이해하는데 큰 도움이 되었습니다. 이 글을 요약하여 보냅니다.

어려운 질문이지만, 그림을 그리는 것은 제게 몸에 산소를 공급하는 것처럼 정신에 매일 숨을 쉬게 하는 필수적인 욕구라고 말하고 싶습니다.독일 철학자 헤겔은 예술적 창작을 어린아이가 호수에 조약돌을 던져 튕겨서 차갑고 적대적인 외부 세계와 소통하려고 하는 것에 비유했습니다. 지난 20년이 넘는 시간 동안 작업실이나 자연 속에서 풍경을 소재로 작업해왔기 때문에 제 접근 방식도 이와 다소 비슷할 수 있습니다. 저는 미디어에서 뉴스를 장식하는 주요 사회적, 정치적 또는 환경적 이슈에 관심이 있는 것이 아니라 ‘세상에 존재한다는 것’이라는 중요한 현실에 관심이 있으며, 보는 것과 보이는 것의 근본적인 문제에 초점을 맞추고 있습니다. 저는 그림을 그릴 때 스튜디오의 고요함과 고독함 속에서, 또는 자연 속에서, 매일 눈에 보이는 경험을 다시 하는 것을 생각합니다. 수많은 감각이 저절로 정리되어 캔버스나 종이 위에 즉각적으로 옮겨지고, 작품은 보는 자와 보이는 것 사이의 융합에 대한 증언이 됩니다. 그 시선을 기록하는 것 이상으로 저를 놀라게 하는 것은 제 스스로가 수용적인 주제처럼 느껴진다는 사실이며, 작품을 통해 이러한 즐거움이 전달되기를 바랍니다.회화에서 조각으로, 조각에서 회화로, 추상에서 구상으로, 구상에서 비구상으로, 글리세로프탈릭(glycerophtalliques) 페인트에서 유화로, 유화에서 과슈로, 석고에서 합성수지로, 합성수지에서 테라코타로, 테라코타에서 에나멜 점토로 등등, 저는 35년이 좀 넘는 작업에서 다양한 작업적 시간를 보냈습니다. 각 기간마다 나는 반복되는 동일한 주제, 유사한 형식 등의 특정 기술적 제약을 가진 정확하고 제한된 틀을 설정했습니다. 초기 규칙을 최대한 강화하면 목표를 향해 나아갈 수 있고 시간이 지남에 따라 이 목표가 더 명확해질 것이라는 생각을 갖고 있었지만, 실제로는 매번 그 반대가 일어납니다. 강박적으로 집중할수록 목표가 모호하고 멀어지고 무한한 가능성이 남고 내가 찾고 있던 목표가 존재하지 않는다는 것을 깨닫게되어 일종의 무한대를 향해 나아갑니다. 취기 같은 상태와 현기증이 뒤따르고, 무의식적으로 내가 찾고 있는 것은 아마도 이 무한대일 것입니다.저는 35년 전에 추상화를 통해 그림과 조각을 시작했습니다. 당시 저는 미국의 추상 표현주의, 특히 마크 로스코(Mark Rothko)의 그림에 매료되었습니다. 저는 그가 직사각형 세 개를 겹쳐서 표현하는 매우 경제적인 방법으로 친밀하면서도 보편적인 인간 조건의 느낌을 얼마나 강력하게 표현할 수 있는지 놀랐죠. 이미지나 내러티브를 사용하지 않고도 수많은 감정을 생생하게 구현하는 그림의 힘은 예술의 근본적인 진리인 것 같았습니다. 그러다가 색채 영역, 즉 바닥에 수평으로 놓인 지지대 위에 밝은 색을 붓고 드로잉의 윤곽선을 없애는 방식에 관심을 갖게 되었습니다. 저는 클레멘트 그린버그가 이론화한 추상표현주의의 원칙, 즉 그림은 재현이 아니라 표현이며, 사물의 이미지가 아니라 그 자체로 사물이라는 원칙에 동화되었습니다. 캔버스의 평면성을 위해 깊이와 공간의 모든 착시 효과는 거부되어야 합니다. 프랑스에서는 표면을 중요시하고 공간과 이미지를 금지하는 “지지/표면”(support/surface)이라는 운동도 있었습니다.몇 년 동안 열정적으로 이러한 규칙을 가지고 놀다가 저는 이러한 독단주의에 지치고 억압받는 느낌을 받았습니다. 더 이상 평면적인 것을 견딜 수 없어 조각으로 전환했습니다. 이는 형태, 색채, 추상적이고 반복적인 형태를 모델링하는 새로운 즐거움이었고, 그 후에는 인간의 형상을 도입했습니다. 몇 년의 조각작업 뒤에 나는 추상화에 대한 모든 권위주의적 도그마를 잊고, 다시 그림으로 돌아왔습니다. 저는 작업실 공간을 마술적인 공간이라 여기고, 이 안에 설치된 일련의 인물이나 오브제를 그렸습니다. 그런 다음 스튜디오에 색을 칠하고 설치한 골판지 상자를 표현한 일련의 그림이 나왔습니다. 상자는 대량 생산된 오브제이고, 그 다음에는 꽃과 같은 좀 더 유기적인 것들을 작업하고 싶었습니다. 꽃은 앤디 워홀(Andy Wharol), 요한 미첼(Johann Mitchell), 사이 톰블리(Cy Twombly), 안셀름 키퍼(Anselm Kieffer), 제라드 가시오로프스키(Gerard Gasiorowski), 데미안 허스트(Damien Hirst) 등 현대 미술가들이 많이 사용하는 주제이며, 각자의 방식으로 다루고 있습니다.
저는 꽃의 상징적이고 사회적인 측면에는 관심이 없습니다. 단지 눈앞에 다양한 형태와 색채가 가득하다는 소재로서의 꽃을 다룰 뿐입니다. 지난 전시들에서는 최소한의 채색 개입과 비움의 중요성, 그리고 동양화에 대한 저의 관심으로 매우 간결한 일련의 작품을 선보였습니다. 저는 종종 몇 번의 붓질 후에 멈췄고, 아주 적은 것들로 공간을 여는 것은 충분하고, 비례적으로 물건이 적을수록 공간이 더 광대해집니다. 캔버스의 평면이 평면성을 잃고 무한을 향해 열리는 창이 되는 전환점이 있습니다. 저는 종종 이 정확한 지점에 초점을 맞추고자 하는데, 이를 위해 대상을 너무 많이 묘사할 필요는 없습니다. 지성이 꽃을 인식하기 직전에 공간은 열리고, 두세 번의 색 터치로 충분하며, 직후 그 공간은 닫히거나 축소됩니다.비움과 극도의 단순함의 힘에 동화되어 이를 활용했다면, 이제 그 공간을 꽉 채워보는 건 어떨까요? 결국, 창조에서 금지된 것은 아무 것도 없습니다. 이 주제에 관해서는 중국의 고전 화가 찬(Tchan)에게 큰 영향을 준 노자의 도덕경에 나오는 이 구절을 인용할 수 있습니다. “비움의 극치에 도달하고 참된 평온을 유지하면 만 가지 존재가 함께 일어나고, 나는 그들의 귀환을 관찰한다. 존재는 꽃을 피우고 꽃을 피운 다음 각각 뿌리로 돌아간다.” 저는 마른 잎 두 장으로 죽은 꽃의 단순한 줄기를 표현하는 것부터 사방에서 솟아나고 피어나는 모든 모양과 크기의 신선하고 매우 다채로운 꽃이 가득한 들판 전체를 담은 대작에 이르기까지 극단에서 다른 극단으로 나아가는 것이 매우 즐겁습니다. 그것은 공간과 형식을 완전히 포화시킵니다. 여기서 저는 50년대 미국 화가들, 주로 잭슨 폴록과 마크 토비가 만든 ‘올 오버’라는 개념의 특정 추상 회화의 정신을 발견하는데, 제 작품에는 원근법이 없더라도 꽃들이 서로 어울려 부조를 이루는 모델링이 있지만 실제로는 평면이 아니라는 차이점이 있습니다. 지난 2~3년 동안 저는 이 주제에 집중해 왔습니다. 금방 시들어버리는 꽃을 매일 새로 사서 계속 그림을 그리고 있는데, 죽은 꽃에서도 아름다움을 발견할 수 있습니다. 저는 모든 상태의 (활짝 핀-시든) 꽃을 혼합하여 흥미로운 색상 대비를 만듭니다. 하루가 지나면 색과 모양이 완전히 바뀌기 때문에 매우 빠르게 그림을 그리는데, 보통 220✕310cm의 대형 캔버스에 4시간 정도 작업해야 합니다. 캔버스의 큰 크기는 제 팔의 제스처의 진폭과 브러시의 크기에 의해 정당화됩니다. 내 시선은 주로 꽃을 향하고 붓으로 꽃을 애무하는 느낌이 듭니다. 촉각은 시각에 겹쳐져 더 확고함을 부여합니다.이 작업에서 인상적인 것은 변화의 속도인데, 이는 인간 존재에 대한 은유로 영원한 것은 없으며, 모든 것은 끊임없이 변화하고 사라질 운명에 처해 있다는 것을 나타냅니다. 곧 사라진다는 것에서 우리는 인상주의, 특히 지베르니에서 50년간 정원을 그린 클로드 모네를 떠올릴 수 있습니다. 그는 찰나의 감각, 사물의 무상함을 정확하게 포착하여 궁극적으로 절대적인 진리, 즉 무상함의 영속성을 발견하는 데 탁월한 눈을 가졌습니다. “같은 강에서 두 번 목욕하지 않는다.”고 한 헤라클레이토스의 말처럼, 강은 하루마다 또는 매 분마다 다르며 목욕하는 사람 또한 마찬가지입니다. 우리는 또한 이러한 모든 변화를 알아차리기 위해 움직이지 않는 고정되고 초월적인 무언가가 우리 안에 있어야 한다고 논리적으로 추론할 수 있으며, 모네의 그림은 아마도 우리를 이것을 언급하고 우리를 이것으로 끌어 올릴 것입니다. 이 불변하는 것은 그의 그림에 포함되어 있지는 않지만 관찰자로서 우리 자신 안에서 그것을 느끼도록 격려합니다.
반면에 폴 세잔의 경우, 그것은 그의 그림에 통합되어 있습니다. 그는 인상주의를 견고하고 지속적인 것으로 만들고 싶었고, 감각을 논리적으로 조직하기 위해 감각의 모든 다양성을 유지하고 지원하는 견고한 기본 구조가 있습니다. 제 작업에 관한 한 저는 그 쪽에 더 가깝다고 할 수 있습니다. 제 노력에도 불구하고 작업이 진행됨에 따라, 갑자기 공간에서 구성을 구성하는 구조가 나타나고 꽃 요소가 서로 끼워 맞춰집니다. 이 계획되지 않은 것들 앞에서, 그것이 어디에서 왔는지 몰라 놀라고는 합니다.다른 예술에서도 영향이나 친밀감을 느낄 수 있습니다. 개인적으로는 소설이나 시를 읽을 때 거의 영감을 느끼지 않아, 문학 작품을 그림으로 나타내는 일은 결코 없을 것입니다. 반면에 음악을 들을 때에는 저의 마음이 깨어나고 그림과 많은 유사점을 느낍니다. 간결하고 미니멀한 방식으로 작업할 때는 실내악, 트리오, 4중주, 5중주, 단일 악기를 위한 음악이나 모튼 펠만, 존 케이지, 자킨토 스켈시처럼 침묵을 많이 사용한 작곡가들의 음악을 많이 들었습니다. 구성 회화를 제작할 때에는 대규모 오케스트라를 위한 클래식 교향곡 작품에 더 매력을 느낍니다. 회화에 있어 저는 사진을 사용하지 않기에, 감각을 자극하는 모티브가 내 앞에 있어야 합니다. 이와 마찬가지로 저는 음반을 많이 듣지 않고 콘서트 홀에 가서 내 몸의 모든 소리 진동을 느끼는 것이 필요합니다. 현재 파리의 파운데이션 루이비통에서 마크 로스코의 훌륭한 전시회가 열리고 있습니다. 큐레이터는 한 벽에 “그림은 경험의 표현이 아니다. 그곳은 경험 그 자체이다.” 라는 로스코의 말을 크게 적어 두었습니다.

• 작가에 대하여

1959년 파리 생이며, 그곳에서 활동하고 있습니다.
파리국립미술학교를 졸업,
생테티엔미술관, 갤러리604, 에릭 뒤폰 갤러리 등에서 30여회 이상의 개인전을 가졌으며, 2017 매그 파운데이션 전시, 2014 부산비엔날레, Fiac 등에 참가하였습니다.
2014년 프랑스의 권위있는 상인 Marcel Duchamp Award의 후보자로 선정되었으며, 매그 파운데미션 등 30여곳 이상의 퍼블릭 콜렉션에 소장되어 있습니다.//갤러리 삽//

장소 : 갤러리 삽
일시 : 2023. 12. 11 – 2024. 03. 09.

추PD의 아틀리에 / www.artv.kr / charmbit@gmail.com